(Critique de la pièce « L’Amérique », de Serge Kribus)

Si vous n'avez jamais vu l’Amérique, la terre de tous les rêves, embarquez dès maintenant pour un voyage magnifique agrémenté de musique rock dans l’époque des années septante, en compagnie de deux jeunes idéalistes à la langue vivante et électrifiante.

 
                Jo a la vingtaine, Jo n’a peur de rien. Si Jo veut aimer les filles, il claque des doigts, et les filles sont dans son lit. Jo vit sa vie à fond les manettes, sans crainte du lendemain. Il fume, il boit, il vole, il se bat. Il prend tout ce que la vie lui donne sans se poser de questions, sans redouter un virement de situation. Babar est un étudiant en médecine qui habite à bruxelles. C’est un jeune bien comme il faut : il vit chez ses parents, ne boit pas, ne fume pas. Il a peur de tout. Et surtout des filles. Mais un jour, ras-le-bol général dans la tête de Babar : il part, il quitte la maison sans prévenir et file vers Paris, pour voir à quoi ça ressemble. C’est là-bas, assis dans un bar, qu’il rencontre Jo le téméraire, Jo le sans peur. Babar ne sait pas trop sur quel pied danser face à cet inconnu qui semble ne s’alarmer de rien. Mais, comme porté par une vague de spontanéité, Babar va se laisser guider par Jo, et ensemble, ils vont glisser sur un chemin bourré d’alcool, enfumé de drogues et peuplé de filles. Cette route sera pour eux celle de l’amitié, une amitié puissante qui se consolidera au fil de l’aventure, celle de la déconnade, de la folie furieuse qui anime les jeunes idéalistes soixante-huitards. Mais cette route sera aussi celle de la fin de leur adolescence. Une route qui, comme toute chose, s’arrête quelque part. Douloureusement parfois. 
  

               C’est sans crier gare que la tête de Jo apparaît, au milieu d’un rideau couleur or qui fait un bruit s’apparentant à de l’aluminium qu’on froisse. Lorsque le rideau tombe, on découvre un plateau qui s’avèrera être étonnamment dynamique : par un ingénieux système de plate-forme creuse renfermant des objets en tout genre et un tapis roulant, les deux acteurs vont évoluer dans un seul décor qui deviendra, à tour de rôle, un train, une chambre, une rue… La pièce est énergique, rebondissante, changeante. Elle ne stagne jamais au même emplacement. Le décor se mue en un autre décor en moins de temps qu’il ne faut pour se rendre compte du changement d’endroit.


             Il n’y avait pas metteur en scène plus prédestiné que Serge Kribus pour faire pleinement vivre cette pièce. Quel homme, mieux que lui, aurait pu rendre toute la vivacité, tout le mordant, toute l’énergie des années septante, tout le pétillant de ce spectacle plein de peps et de punch ? Ainsi, la pièce ne pouvait être plus fidèle au modèle que son auteur avait en tête. Mais sans talent, même l’avantage d’avoir écrit la pièce n’aurait pas sauvé le spectacle de Kribus. Il faut se rendre à l’évidence : cet homme est depuis longtemps passé maître dans l’art de la scène, au plus grand plaisir du public… .

          
            Deux acteurs seulement ont suffit à rendre toute l’électricité teintée de rock de cette pièce explosive.  D’abord Bernard Sens, dans le rôle de Jo, qui fait parfaitement sentir toute l’assurance du personnage. Le rôle lui va comme un gant. Il coupe le souffle au public, on ne peut s’empêcher de l’écouter respectueusement, comme si son air de racaille faisait aussi effet sur l’assemblée présente dans la salle. Ensuite, il y a Serge Kribus, dans sa propre pièce, pour une interprétation édifiante du personnage de Babar. Qui d’autre, en effet, aurait pu mieux faire vivre le personnage que son propre créateur ? Kribus était le mieux placé pour le connaître par cœur, et sur scène, il coupe littéralement le souffle par son jeu d’une spontanéité rare. De plus, petite particularité de la pièce, c’est que les deux acteurs endossent chacun plusieurs rôles, et passent de l’un à l’autre sans crier gare. Ce qui est à applaudir dans tout cela, c’est la capacité qu’ils ont de ne jamais embrouiller le public : on sait exactement quel personnage ils jouent, et à quel moment. Une belle performance.

 
             Kribus signe ici une nouvelle fois une pièce remuante, usant de mots collant parfaitement à l’époque traitée, balançant des dialogues absolument rebondissants, le tout accompagné de musiques pleines d’idéaux… Une pièce qui commence par son dénouement (un dénouement douloureux il est vrai ) mais qui  n’en devient pas pour autant ennuyeuse… L’Amérique, c’est l’Amérique…    

(critique du film « Le come Back »)

Lorsqu’un réalisateur s’avère être un étudiant en droit qui a abandonné ses études, on pourrait être amené à penser que sa véritable vocation se trouvait bel et bien dans le cinéma. Marc Lawrence est de ceux-là. Né à Brooklyn, il commence comme réalisateur de séries télévisées américaines. Il se spécialise dans la comédie et réalise son premier long métrage en 2002. Et voilà que cinq ans après son désolant « Miss détective », Lawrence nous pond un autre long métrage, « Le come back », qui mérite parfaitement l’appellation de « comédie romantique américaine ». Un concentré de clichés à la sauce outre-atlantique qui, il faut tout de même l’avouer, fait sourire et touche le spectateur.

        Alex Fletcher est ce que l’on peut désormais appeler un « has-been des années quatre-vingts ». Après avoir connu un succès fou auprès des filles en s’étant prodigieusement déhanché dans le groupe « Pop ! », Alex, riche et beau quadragénaire qui ne fait pas son âge, doit désormais se contenter de minables représentations sur des ridicules podiums plantés au milieu de foires diverses, devant un public exclusivement formé de femmes âgées de cinquante ans (et plus si affinités). Le spectateur a beau espérer voir Alex se ressaisir et sauver sa fierté en cessant ces prestations burlesques, jamais nous ne verrons le pro de la chanson rétro tenter d’arrêter cette spirale grotesque qui lui ôte toute dignité. On le croit pourtant sauvé lorsque Cora Corman, nouvelle ado-diva un peu allumée dont le but ultime est de supplanter les ondulations corporelles de Shakira, demande à Fletcher de lui écrire une chanson intitulée « Le chemin de l’amour » pour ensuite l’interpréter avec elle. Notre beau gosse tient là son grand come-back. Seul bémol : le pauvre Alex n’a rien composé depuis dix ans et n’a de plus jamais été parolier Or la chanson doit être rendue dans la semaine… Oh, suspense, quand tu nous tiens !  C’est à ce moment critique et désespéré du film que débarque Sophie Fisher, jeune et jolie demoiselle qui n’est là que « pour s’occuper des plantes » de l’appartement de l’ex-idole des filles. Sophie se fera la parolière salvatrice de la pop star déchue en quête d’une célébrité nouvelle, avec tous les aléas, les hauts et les bas que l’on trouve dans une relation homme-femme. En bref, que de surprises, d’étonnement et d’inattendus !

        Le personnage campé par Hugh Grant est tout sauf crédible. Il n’a ni le style d’un ancien chanteur pop, ni la façon d’être. Alex Fletcher est l’archétype du quadragénaire classique, nonchalant et flegmatique. Autrement dit, tout l’opposé de ce qu’aurait été un ex-chanteur des années quatre-vingts : un excentrique plein de peps avec les cheveux dans le vent. Pire : Fletcher tente l’humour britannique qui caractérise si bien Grant, mais qui une fois replacé dans ce genre de long métrage, perd tout son charisme anglophone. Quant à la charmante Drew Barrymore (alias Sophie Fisher), elle ne fait qu’incarner le personnage d’une jeune princesse à qui tout réussit mais qui malgré tout ne va pas bien, est malheureuse et souffre, tout au fond d’elle. Elle est le stéréotype de la fille ordinaire qui un beau jour voit sa chance tourner. Ce qui aurait pu être émouvant si le concept n’avait pas déjà été exploité une bonne centaine de fois…

        Comme toujours et sans laisser aucune place à l’imagination, le thème de l’amour nous éclate à la figure, dans toute sa splendeur. Une histoire d’amour sensée être inattendue, et qui perd de sa superbe à cause de l’exploitation épuisante du sujet. On s’émeut tout de même devant ce don Juan adouci par sa jeune arroseuse de plantes, même si on a du mal à s’expliquer le comment du pourquoi… Et, point positif du film, la musique y a une place de choix. Même si ce que le beau Fletcher compose n’est pas prêt de concurrencer les Beatles, et même si la musique est à Hugh Grant ce que le nez rouge est aux avocats (à savoir l’élément qui fait perdre toute crédibilité), on se laisse entraîner par la romance de cette chanson écrite à deux mains, et surtout par la romance qui s’établit entre ces deux mains… 

        C’est en conclusion une comédie touchante et attendrissante que Marc Lawrence a réussi à faire sortir dans les salles obscures, en sachant que toute « comédie romantique à l’américaine » qui se respecte mérite ces deux adjectifs, et uniquement ces deux là… On dirait que le cinéma américain fait mémoriser à tous ses réalisateurs un manuel intitulé « Comment faire une comédie en dix leçons », à l’image de ces livres tristement célèbres exposant aux jeunes écrivains comment composer un bon roman américain… En dehors de l’avantage de faire passer un « bon moment » et d’émouvoir le spectateur moyen, le film « Le come back » ne mérite aucune ovation, aucune récompense, bien qu’il ait fait vendre des milliers d’exemplaires de sa bande originale. Difficile, de nos jours, de dégotter un bon long métrage à se mettre sous la dent… Il semblerait que le septième art ait définitivement perdu de sa grandeur… En ce qui concerne les Etats-Unis et leur « comedy » , du moins…

(Critique du livre « Les Catilinaires », d’Amélie Nothomb)

L’auteur belge qui depuis des années avait élevé son nom avec celui des plus grands écrivains retombe aujourd’hui lourdement sur le sol. Née le 13 août 1967 à Kōbe au Japon, Amélie Nothomb publie depuis 1992 un roman par an, ce qui la caractérise si bien. Sa personnalité est loin d’être inconnue grâce à sa singularité : elle aime les fruits qui la font vomir et se dit enceinte de ses romans. Autour de la jeune femme s’était dressé un monde vaporeux et assez effrayant. Elle restait inqualifiable, presque mystique. Après la lecture des « Catilinaires », on n’hésite plus du tout entre « dérangeante » ou « dérangée »…

Emile et Juliette sont mariés depuis quarante-trois ans. Ou plutôt soixante, puisque Emile tient absolument à ce que leur union soit datée du jour de leur première rencontre, à savoir lorsqu’ils avaient tous les deux cinq ans. C’est l’histoire d’amour parfaite et un peu bébête, sans beaucoup de surprises, qu’on connaît par cœur : « Nous nous sommes vus et nous nous sommes aimés. Nous ne nous sommes jamais quittés. Juliette a toujours été ma femme. » Ô ! romantisme édulcoré de l’amour exemplaire … Après avoir attendu la retraite toute leur vie comme deux dépressifs n’ayant plus aucun espoir en l’existence, ils décident d’acheter une maison très isolée, en pleine campagne, pour profiter enfin de la vie. Ils voulaient « quitter cette perte de temps qu’est le monde. Quelle belle image d’optimisme ! (Le but de l’auteur est-il de faire grimper le taux de suicide ?) Arrive alors, au moment le plus passionnant de l’histoire, celui que l’on retrouve dans tous les schémas scolaires qui décortiquent les récits : la perturbation initiale, le très original fauteur de troubles, nommé ici Palamède Bernardin (sans qui toutefois, avouons-le, le reste de l’histoire n’aurait été que niaiseries et paillettes dans les yeux.) La campagne, c’est ennuyeux, (est-ce donc à cause de cela que le roman l’est aussi ?) et ce voisin ne trouve rien d’autre à faire que de s’approprier deux heures par jour la demeure des amoureux, en les fixant dans le blanc de l’œil et sans dire un mot.  Quoi de plus captivant ?

Des personnages plats et insignifiants.

Emile et Juliette sont restés des enfants. Le vieil homme regarde souvent son épouse en pensant « Ma femme a dix ans ». On pourrait s’extasier devant cette jeunesse éternelle et cette capacité déconcertante à encore pouvoir s’émerveiller comme un enfant à soixante-cinq ans si leur « jeunesse » n’avait pas été poussée jusqu’à l’infantilisme. Citons par exemple cette scène de promenade dans la forêt, où Juliette «  rejetait la tête en arrière de manière à avoir le visage face au ciel. Elle ouvrait grand la bouche et s’appliquait à avaler le plus de flocons possibles. Elle prétendait les compter. » Juliette est une véritable gamine qui semble ne rien savoir de la vie, même à son âge avancé.  «  Il y avait eu si peu de choses dans sa vie qu’elle régissait à tout avec une intensité extrême « . Elle lance à tout bout de champ des « gentils sourires » et des « regards étonnés ». « Juliette est son propre enfant. Et le mien. » Voilà qui justifie peut-être cette attitude puérile d’Emile envers Juliette… Quant à Palamède, il affiche un comportement dérisoire,  fatigant, ennuyeux et sans relief : comment se prendre d’amitié pour un homme qui « prend beaucoup de place » mais qui « répond après quinze secondes d’intense réflexion » par « les mots « oui » et « non » qui constituent l’essentiel de son vocabulaire » ? A l’instar de l’auteur d’ailleurs : combien de fois Palamède Bernardin se retrouve-t-il qualifié d’ « outré » ? « Il me regarda d’un air outré » reste sans aucun doute la phrase la plus répétée dans ce récit.

Les sujets abordés sont des plus banals : tout d’abord l’histoire d’amour dont tout le monde rêve, l’idéal du « conjoint unique »,  celui que nous gardons toute notre vie et dont nous ne nous lassons jamais, et passons toute une vie à ses côtés sans l’aimer un peu moins… En bref, un thème qui use au fur et à mesure de l’avancement de l’histoire et qui ôte au lecteur le peu d’envie qu’il lui reste de terminer le bouquin, tout simplement parce que ce sujet a déjà été utilisé des centaines de fois, et le plus souvent dans les contes pour enfants… Et ensuite l’image envahissante du fauteur de troubles, de celui qui dérange, comme pour nous montrer, sous un angle bien pessimiste, que même là où nous pensions trouver le paradis, l’enfer peut nous attendre. Pour nous prévenir que notre vie ne sera jamais ce que nous voulions en faire. Autrement dit « N’attendez rien de la vie, car le malheur pesant de cette perte de temps qu’est le monde vous poursuivra jusqu’après votre retraite à la campagne. »

Le bilan ? Décevant.

Avoir du temps à perdre est une chose qui, dans la société d’aujourd’hui, devient de plus en plus rare, à tel point que parfois, le plaisir de profiter de la vie ne s’achète qu’au prix de vacances lointaines. Et pourtant, au vu du nombre de personnes s’inscrivant sur la liste des lecteurs des « Catilinaires » d’Amélie Nothomb, il semblerait que certaines personnes possèdent même trop de temps libre. C’est en effet ce dont il faut disposer pour avoir l’excuse de s’être plongé dans cette histoire d’une platitude et d’un ennui exemplaires.  Car lire ce roman, c’est en sortir déçu et sans plus aucune envie d’ouvrir un livre signé Nothomb, tellement on glisse sur la paroi de l’histoire sans jamais s’y accrocher. Composer un bouquin de cet acabit et lui donner le nom du discours le plus célèbre de Cicéron valut à Amélie Nothomb la découverte du meilleur moyen pour déranger dans son dernier sommeil le plus grand orateur que la Rome du premier siècle avant Jésus-Christ ait jamais connu…

(Critique du film « Playboy à saisir »)

    Un « Tanguy » en version américaine, vous y auriez pensé ? Et bien Tom Dey l’a fait pour vous, à votre plus grand désespoir. Ce réalisateur d’outre Atlantique a suivi des études de philosophie, de religion et de cinéma à la Brown University. En 1993, il décroche une licence de l'American Film Institute de Los Angeles. Il fut entre autres sollicité par les sudios Disney en 1998 pour mettre en scène son premier long métrage : « Shangai Kid ». Mais le jeune artiste ne compte pas en rester là. Il se met ensuite au service de grandes marques comme L’Oréal et réalise de nombreux spots publicitaires. En cette année 2005, il nous  sert la pseudo comédie « Playboy à saisir », remake parfaitement américain d’un concept vu et étudié sous toutes les coutures depuis déjà bien trop longtemps.

 
    Tripp est un trentenaire à qui la vie a tout donné : il est riche et beau, a des parents formidables, est élégant et dynamique… Sans aucun défaut, une vraie gravure de mode, un cliché d’Hollywood. A trente cinq ans, ce Monsieur Parfait vit encore chez ses parents. Ô ! joie, voilà enfin son défaut majeur : Tripp reste un enfant gâté dans l’âme, il ne veut pas grandir, et c’est bien dommage, pour un si joli garçon… Il n’en reste pas moins que ses parents voudraient le voir débarrasser le plancher le plus vite possible, afin de pouvoir enfin retrouver leur liberté antérieure… Et on les comprend. Leur fils est un véritable pique-assiette, qui passe ses journées à faire des activités toutes plus extravagantes les unes que les autres avec ses copains, histoire de faire démonstration de sa fortune. De plus, la nature le déteste, et on n’arrive jamais à savoir pourquoi. Belle idée que d’introduire du suspense dans l’histoire, reste à en dévoiler le dénouement, et ce de préférence avant la fin du film. Raté… Un beau jour, comme dans un conte de fée, c’est Paula, magnifique elle aussi, qui débarque dans la vie de Tripp. Non sans raison : les parents du playboy l’ont engagée pour convaincre ce dernier de quitter (enfin) le domicile familial. Le problème, qui est en fait la seule manière dont le film peut se dérouler, c’est que Tripp va réellement tomber amoureux de cette femme parfaite… Il se rendra enfin compte de l’imposture, une scène de ménage (émouvante, vraiment) va éclater, Tripp quittera Paula, la pauvre Paula qui avait fini par aimer, sincèrement paraît-il, le petit enfant gâté. Après de nombreuses larmes et une musique de circonstance en toile de fond, les deux amoureux finissent par se retrouver, dans des conditions censées êtres hilarantes, et leur réconciliation est diffusée devant les clients d’un restaurant, comme un très lourd clin d’œil à la télé-réalité.

     Le personnage campé par Matthew McConaughey n’est pas sans rappeler notre « Tanguy » français. Le trentenaire irréprochable qui vit encore chez ses parents, on en a déjà fait le tour des centaines de fois. L’ajout d’un jeu d’acteur américain ne fait qu’aider cette comédie à plonger directement vers le fond du classement des dernières sorties cinématographiques. McConaughey avait déjà joué le rôle d’un homme magnifique adulé par toute la gent féminine dans « Comment se faire larguer en dix leçons », où il finissait aussi par être mené en bateau par une femme d’une beauté à faire déprimer toutes les pauvres filles ordinaires qui étaient allées voir le film. Quant à Sarah Jessica Parker, idole de « Sex and the city », elle ne fait qu’appuyer le stéréotype des jolies filles n’ayant aucun autre objectif dans la vie que des activités liées à la superficialité. Son personnage n’accroche pas, on n’arrive pas à y croire, et même si l’envie de rêver un peu est très présente, la distance qui sépare ces deux personnages du monde des vivants dépasse l’entendement.

 
    C’est bien entendu le thème de l’amour qui est abordé ici, avec une tentative d’humour infructueuse qui déçoit profondément. Comme si les sentiments de l’autre n’étaient qu’un jeu, comme si le profit personnel était le seul but, comme si les relations entre un enfant et ses parents étaient trop compliquées pour que ceux-ci en viennent à une solution hors du réel, ce film nous présente la vie comme elle ne l’a jamais été et ne le sera jamais. On tente aussi de nous exposer l’amitié comme un élément important de l’existence de chacun, mais les amis de Tripp reviennent tellement souvent avec les attitudes basiques des trentenaires qui n’ont pas fini de grandir, avec leurs sports extrêmes, leur paint-ball et leurs sourires de publicité qu’on n’en veut plus, plus jamais, ni eux, ni personne d’autre. Et comme une évidence, on nous ressert le vieux concept du trentenaire n’ayant pas encore quitté le domicile familial, parce qu’il a peur de grandir, qui s’attache à l’enfance et à son confort. Quelle dure lutte qu’est la vie pour un homme riche, jeune et beau… Une vraie galère !

 
    Pour enfin en terminer, et pour ne pas rester dans le négatif, disons que tout film mérite d’être vu, même le pire, ne serait-ce que pour pouvoir entraîner les réactions belliqueuses des pauvres cinéphiles atteints dans leur honneur d’artiste. Le concept de Tom Dey sent le réchauffé, alors que le public actuel ne demande que du neuf. Les réalisateurs en manque d’inspiration finissent souvent par être mis en dehors du métier. Un des principes de base du cinéma étant d’apporter au public ce qu’il demande, on peut affirmer ici sans aucune hésitation que Dey n’a atteint aucun objectif pouvant l’aider à valoriser sa création. Nous connaissions déjà les fast-food, qui nous proposent de la nourriture préparée en un temps record pour un goût aussi inexistant que le temps de préparation. Voici en avant-première le « fast-film », qu’on aurait mieux fait de nous servir encore plus vite pour éviter de conserver cet horrible goût de décongelé en bouche…

Critique du livre « Au bonheur des ogres » de Daniel Pennac)

 
    Si la grande majorité de lecteurs à avoir dévoré  La petite marchande de prose  de Daniel Pennac vous compte parmis ses rangs, il ne persiste aucun doute quant à savoir si vous avez lu, et par-dessus tout vous êtes engoués de la merveille qu’est  Au bonheur des ogres, premier de la série d’aventures de Benjamin Malaussène. Daniel Pennac, auteur contemporain né au Maroc s’attaquant souvent aux relations humaines, a forgé sa réputation dans l’univers du roman. Son succès ne laisse aucune place à l’hésitation, et sa notoriété est reconnue unanimement. Avec un humour mordant, l’auteur nous fait entrer dans un monde à part, nous fait vivre une aventure hors du commun comme il sait si bien le faire. 

           
    L’histoire se déroule dans le calme quartier de Belleville, où habite Benjamin Malaussène, chargé du contrôle technique dans grande surface. Derrière ce nom passe-partout se cache en réalité une tâche vile et malhonnête, la véritable fonction de Malaussène étant de simuler l’affliction la plus sincère pour que les clients, venus au bureau des réclamations afin de formuler une plainte quelconque, retirent cette dernière. Une fois les acheteurs partis et la plainte annulée, le grandiose acteur et son supérieur festoient : « Belle équipe de salauds, hein ? ». Tout semble donc fonctionner au mieux dans le magasin, jusqu’au jour où, aux environs de Noël, alors que le magasin fourmille de clients, une bombe qui ne se trouve être que la première d’une longue série, explose au rayon des jouets. Elle laisse derrière elle un cadavre en morceaux et un magasin tout aussi flamboyant. La panique laisse rapidement place au retour normal des choses, et la vie reprend son cours. Jusqu'à la deuxième explosion, qui après tous ses côtés négatifs, permet à Benjamin de rencontrer Tante Julia, voleuse de pulls qu’il va sauver de l’arrestation, sur un coup de tête, dans un élan, une impulsion, comme on n’en trouve que dans les romans. C’est ensuite au tour d’une troisième bombe de sauter. C’en est désormais trop. Pour les enquêteurs chargés de l’affaire, les liens avec Malaussène sont trop nombreux, et il devient donc le plus rapidement du monde leur suspect numéro un. Pendant ce temps, la fièvre monte chez Benjamin. Non seulement sa mère l’a à nouveau laissé seul avec ses frères et soeurs en lui laissant le soin de tout assumer, mais en plus, il a décidé de quitter le magasin. « On ne m’a jamais forcé à rester où je ne voulais pas. »  

           
    Le personnage de Benjamin Malaussène nous épate une fois encore, et ce n’est certainement pas la dernière. Il nous apparaît ici comme à l’accoutumée pareil à un chevalier errant à la recherche de la plénitude. Il nous émeut aussi par son caractère fort, qui lui permet d’assumer sa tâche de bouc émissaire comme il se doit, sans jamais pleurer, du moins « jamais en dehors du boulot. » C’est avec une magie sans limite que Malaussène nous ouvre son univers fantaisiste. Il nous permet ainsi de nous évader et de faire un tour sur sa planète agitée. Sa famille, toujours aussi nombreuse, semble être un point d’attache comme une source de discorde. Elle lui permet de tenir le coup tout en créant chez lui des états parfois extrêmes, le faisant passer d’une joie intense à des accès de colère d’une violence sans nom. « La retraite anticipée pour frère aîné, ça existe ?». Quant à Tante Julia, cette « belle apparition » qu’il nous décrit avec tant de passion et d’admiration, ne laisse pas deviner grand chose de son tempérament. C’est un personnage brumeux et mystérieux. Elle apparaît et disparaît au gré des pages du roman, avec une délicieuse imprévisibilité, débarquant toujours lorsqu’on s’y attend le moins, et disparaissant à l’instant où il nous semblait cerner enfin un petit quelque chose de son être vaporeux.

           
    Dans son roman, l’auteur s’attaque à l’épineuse question des relations humaines, sujet qu’il maîtrise à la perfection pour l’avoir maintes et maintes fois abordé, chaque fois avec autant de conviction et de contenance. D’une part, il y a l’amour physique, l’amour de l’autre que Benjamin partage avec Tante Julia, et d’autre part il y a l’amour familial, indispensable à l’équilibre du héros. Mais ce roman ne serait pas ce qu’il est sans le thème du bouc-émissaire. Cette condition qui fait souffrir ceux qui y sont enfermé contre leur gré n’est pas souvent approchée dans la vie réelle. On préfère taire ce défaut du genre humain qui est de persécuter une personne bien souvent innocente et de lui faire endosser les responsabilités de nos actes manqués. En mettant la vérité au grand jour, l’écrivain exprime ce que les hommes se sont toujours caché : l’humain n’assume jamais ses propres erreurs, et sont bonheur ne dépend que du malheur qu’il peut faire aux autres.      

           
    Daniel Pennac éblouit une nouvelle fois par son talent, la magie de ses mots, la douce lumière qui brille derrières son texte. Il comble chacun de nous, du plus tolérant au plus exigeant, par un roman d’une qualité exemplaire. Il nous offre son univers gratuitement grâce à la magie de l’écriture, de son écriture, de sa plume et de ses mots. Pennac réussit l’épreuve de force de raconter une histoire où se mêlent policiers et histoires de famille tout en la faisant flotter au-dessus du monde, nous entraînant inévitablement hors du temps. C’est une atmosphère féerique qui plane sans cesse autour de ce chef d’œuvre littéraire, nous emportant loin du sol pour nous emmener dans un lieu inconnu. L’auteur restera sans conteste parmis les meilleurs de sa génération, lui dont le style maîtrisé à la perfection nous offre à chaque phrase un voyage au pays de l’imaginaire, une part de rêve, une interruption de calme et de silence dans un monde bouillonnant d’indifférence. Et pour ceux qui en douteraient encore, le résultat est là. Prodigieux.